Marie-Christine MIHAILOVIC : second regard — L'Adresse des Maîtres®

Marie-Christine MIHAILOVIC : « Arrachée » et « Masque »

La surface résiste.

Chez Marie-Christine MIHAILOVIC, peindre consiste moins à couvrir une toile qu’à éprouver sa capacité de rupture. Les visages sont soumis à des partages francs, les supports accueillent des éléments qui refusent de se fondre dans l’image, le bois conserve ses bifurcations sous l’éclairage. Le geste ne cherche donc pas une unité préalable. Il assemble ce qui demeure distinct et laisse les jointures actives. Cette manière de faire traverse les œuvres présentées à L’Adresse des Maîtres®, galerie d’art à Dreux : elle donne à la peinture une épaisseur concrète, parfois presque constructive, sans renoncer à l’impact immédiat de la couleur.

Arrachée et Masque : construire un visage par la fracture

Dans Arrachée, acrylique sur toile de 50 x 70 cm, un œil vert reste fixe alors que l’autre partie du visage vacille sous des éclats de menthe, d’orange et de bleu nuit. Les lèvres rouges bloquent la dispersion. Leur contour net agit comme une décision plastique : la figure ne sera pas dissoute par les couleurs qui la traversent. MIHAILOVIC maintient donc une tension entre deux opérations opposées, fragmenter la physionomie et préserver assez de signes pour qu’une présence continue de tenir. Le format, relativement contenu, resserre cette confrontation. Rien ne peut s’échapper vers une vaste périphérie.

Ce choix distingue Arrachée d’une peinture expressive fondée sur la seule libération chromatique. Le vert de l’œil, le rouge de la bouche et la zone bleu nuit occupent des fonctions précises. Ils fixent, arrêtent, alourdissent. Les couleurs plus claires introduisent au contraire une mobilité qui menace la cohérence du visage. La référence à Matisse devient pertinente à cet endroit exact : la couleur ne sert pas à remplir un dessin déjà établi, elle modifie la manière dont les éléments du visage peuvent être lus ensemble. Pourtant, MIHAILOVIC renonce à l’aisance décorative. Elle conserve la fracture et lui donne une autorité.

Masque, acrylique sur toile de 60 x 80 cm, déplace le problème. Un œil bleu demeure identifiable dans un visage composé d’éclats rouges, roses, orange et turquoise, pris dans un jaune solaire. Dans Arrachée, la dispersion semble attaquer une figure encore reconnaissable ; dans Masque, elle devient sa méthode de construction. L’unité n’est plus un état qu’il faudrait sauver. Elle résulte provisoirement de couleurs incompatibles maintenues dans le même cadre. Le titre pourrait faire attendre une surface protectrice ou dissimulatrice. L’œuvre produit l’effet inverse : le masque expose la multiplicité de celle ou celui qu’il devrait cacher.

Le geste de MIHAILOVIC apparaît ici dans toute sa rigueur. Elle ne juxtapose pas des teintes pour illustrer une psychologie complexe. Elle fait dépendre cette complexité d’une organisation visible : un œil stable, des contours morcelés, un champ jaune qui pousse les autres couleurs vers l’avant. L’identité naît matériellement de cette différence de comportement entre les zones. Cette peinture ne raconte pas une métamorphose, elle la fabrique sur la toile. Chaque éclat conserve assez d’autonomie pour empêcher le visage de se refermer sur une définition unique.

Avec Éclaircie, mixed media acrylique et bois de plage sur toile, 55 x 75 cm, la partition gagne encore en netteté. Une bouche corail persiste entre une zone d’encre et une blancheur striée. L’opposition des valeurs coupe la figure avec plus de dureté que les éclats de Masque. La clarté ne recouvre pas le sombre ; elle s’arrête contre lui. Cette frontière permet à la composition de ne verser ni dans l’effacement ni dans la réparation facile. La bouche, précisément dessinée, maintient une continuité minimale entre les deux régimes de surface.

Je préfère, dans cette série de visages, le risque pris par Éclaircie. La division noire et blanche pourrait conduire à un symbole trop immédiatement lisible. L’intervention corail et la présence du bois de plage défont cette évidence : une couleur chaude et une matière étrangère à la toile empêchent la composition de devenir une simple opposition. MIHAILOVIC ne résout pas la coupure. Elle lui fournit un point d’appui. C’est là que son travail rejoint une question décisive de l’art contemporain : comment rendre une blessure perceptible sans la transformer en récit fermé ?

Mixed media, corde et verre : quand l’image ne suffit plus

Cordes porte cette méthode à une autre échelle. Sur 100 x 104 cm, deux panneaux décalés soutiennent un visage monumental, couvert d’éclats bleus, dorés et roses sur fond noir. Des cordes prolongent la composition hors du cadre. Le décalage des supports empêche la peinture d’être reçue comme une fenêtre régulière ; la corde, elle, refuse de rester un motif représenté. Elle appartient physiquement à l’œuvre. Le geste change alors de nature : MIHAILOVIC ne fragmente plus seulement une figure avec de la couleur, elle désaccorde le plan même qui devait la contenir.

Ce visage reste frontal malgré la disjonction des panneaux. Le noir absorbe une partie des écarts colorés, l’or et le rose les rendent plus saillants, les cordes tirent la masse vers l’extérieur. La présence se construit sous contrainte. Le rapprochement avec Jean-Michel Basquiat trouve ici sa limite utile : comme chez lui, la tête devient un lieu où les signes et les tensions matérielles acquièrent une intelligence propre ; chez MIHAILOVIC, cependant, cette tension passe par l’architecture du support et par l’élément noué. La couture n’est pas cachée. Elle commande la lecture.

Le format presque carré de Cordes aurait pu stabiliser l’ensemble. Le déplacement des panneaux contredit cette stabilité, et les prolongements de corde refusent la clôture géométrique. Ce conflit produit une sensation physique particulière : la figure paraît retenue autant que soutenue. L’œuvre ne décide pas entre ces deux états. Elle exige de celui qui vit avec elle qu’il accepte une image dont l’équilibre reste sous tension, sans que cette tension prenne la forme d’un effet spectaculaire ajouté après coup.

L’Empreinte, mixed media acrylique, aluminium et corde sur toile de 50 x 61 cm, condense le même problème dans un format plus resserré. L’aluminium et la corde possèdent des comportements matériels différents : l’un affirme une surface métallique, l’autre une ligne souple dotée d’une épaisseur. Leur présence sur la toile déplace l’acte de peindre vers l’assemblage. La question n’est plus seulement de savoir quelle couleur poser, mais quel degré d’autonomie laisser à chaque matériau. En conservant leur désaccord, MIHAILOVIC empêche l’acrylique d’unifier artificiellement l’ensemble.

Œil de Verre, mixed media acrylique et verre sur toile de 60 x 73 cm, choisit un autre point de résistance. Des éclats verts captent la lumière dans un œil ceint de noir ; violet et jaune forment autour de lui une brume électrique. Le verre ne sert pas à imiter l’éclat de l’œil par les seuls moyens de la peinture. Il introduit une propriété réelle, celle d’une matière qui reçoit la clarté autrement que l’acrylique. Voir devient dès lors un acte engagé dans la substance même de l’œuvre. Le regard, seul emploi ici nécessaire du mot, n’est plus uniquement représenté : il est renforcé par un matériau susceptible d’accrocher ce qui l’atteint.

Le noir joue un rôle capital. Il cerne le vert et empêche le verre de se disperser dans les couleurs voisines. Le violet et le jaune ouvrent une zone instable, mais l’œil reste concentré, presque tranchant. Là où Masque distribuait la personne entre plusieurs éclats chromatiques, Œil de Verre rassemble la perception en un foyer unique. La vulnérabilité change alors de statut. Elle n’est plus associée à la fragmentation d’un visage ; elle vient d’une acuité que rien n’adoucit.

Ce qui reste, mixed media acrylique et bois sur toile de 54 x 65 cm, introduit une résistance plus grave. Une branche réelle fend la blancheur, deux silhouettes tiennent dans une matière d’or terreux, de noir et d’ivoire. Le bois ne complète pas un paysage. Sa présence coupe l’espace peint et donne à la trace une dimension irréductible à l’image. Les silhouettes ont peu de prise face à cette branche qui traverse la composition ; pourtant, elles demeurent. La mémoire prend forme grâce à cet écart d’échelle et de consistance entre des figures peintes et un fragment matériel.

Le titre ne désigne donc pas un reste vague. Il trouve son équivalent dans le bois maintenu sur la toile, dans la blancheur interrompue et dans les deux corps encore debout. MIHAILOVIC évite l’anecdote parce qu’elle ne précise ni l’origine de la branche ni l’histoire des silhouettes. Elle s’en tient aux conditions plastiques de la survivance : une coupure, une matière conservée, une présence réduite mais non supprimée. Le mixed media prend ici tout son sens. Il ne multiplie pas les effets ; il sépare ce qui peut être peint de ce qui doit subsister comme chose.

Lumière d’Origine : tailler, dresser, éclairer le bois

Avec L’Âme du Bois, sculpture en bois et éclairage de 60 x 65 x 28 cm, la toile disparaît. Une branche polie se dresse sous une clarté couleur de miel, et la corde suit ses bifurcations. Le geste ne rectifie pas l’irrégularité du matériau. Il l’accompagne. Chaque nœud et chaque écart restent lisibles ; la corde ne les camoufle pas, elle rend leur parcours plus manifeste. Ce choix engage un renoncement précis : ne pas imposer au bois une géométrie étrangère pour obtenir une forme autonome.

L’éclairage agit directement sur cette conservation des accidents. Il ne gomme ni les blessures ni les changements de direction de la branche. Sa couleur chaude leur donne une continuité sans les égaliser. L’œuvre tient dans cette mesure difficile entre intervention et retenue. Trop peu d’action réduirait le fragment à un objet trouvé ; trop de transformation annulerait ce qui fait sa trajectoire. MIHAILOVIC travaille dans l’intervalle, en polissant, en liant et en éclairant, trois opérations distinctes dont aucune ne prétend remplacer la forme initiale.

Lumière d’Origine, sculpture en bois et éclairage de 80 x 31 x 31 cm, resserre cette recherche autour d’une sphère rouge et or. Posée dans le rapport vertical du bois, elle produit une chaleur visuelle qui paraît rejoindre les veines du matériau. La hauteur de 80 cm accentue l’élan, alors que les 31 cm de largeur et de profondeur maintiennent une concentration presque axiale. La sculpture ne s’étale pas. Elle organise un noyau.

Entre L’Âme du Bois et Lumière d’Origine, la différence de geste est nette. La première suit les bifurcations d’une branche avec la corde et accepte leur expansion latérale. La seconde concentre l’énergie dans une sphère colorée, prise dans une structure plus étroite. D’un côté, la forme procède par ramifications ; de l’autre, elle revient vers un centre. Le bois garde dans les deux cas ses marques naturelles, mais l’éclairage leur attribue deux rythmes : une continuité apaisée dans L’Âme du Bois, une densité presque tactile dans Lumière d’Origine.

Cette dernière ne traite pas la clarté comme un supplément décoratif. La sphère rouge et or, les veines du bois et l’étroitesse de la construction rendent l’éclairage inséparable de la sculpture. Éteindre mentalement la source reviendrait à retirer l’un de ses matériaux. La parenté avec les recherches de James Turrell reste formelle et circonscrite : la lumière acquiert une consistance perceptive, mais MIHAILOVIC la noue à un bois porteur de durée. L’expérience intérieure vient de cette association entre une source construite et une matière déjà marquée.

Deux catalogues numériques en PDF, correspondant aux deux collections de l’artiste, prolongent la présentation de son travail à la galerie de Dreux. Ils permettent de suivre les déplacements d’un même geste, depuis le visage divisé jusqu’au bois éclairé, sans effacer les écarts de technique et d’échelle.

Reste cette sphère rouge et or, tenue dans une sculpture de 80 x 31 x 31 cm, assez concentrée pour modifier la perception du bois qui la porte. Lumière d’Origine demande d’être vue dans sa présence matérielle, là où la couleur éclairée rejoint les veines sans les recouvrir.