Martine BONNAMY : quatrième regard — L'Adresse des Maîtres®

Martine BONNAMY : « 3 Verres » et « Addiction »

Comme un carnet dont chaque page reprend le même problème sous un format différent, le travail de Martine BONNAMY revient sur quelques questions persistantes : comment construire un passage sans raconter une histoire, comment faire porter la mémoire par la matière, comment maintenir une forme au moment précis où elle change. À L’Adresse des Maîtres®, galerie d’art à Dreux, ses huiles, pastels et techniques mixtes permettent de suivre ces reprises sans les réduire à une formule. Les motifs circulent, mais leur fonction se déplace. Un rivage devient organisation de couleurs, une braise devient relief, un envol se joue dans la direction des traces.

Cette continuité traverse des supports très différents, de l’huile sur toile au pastel sur papier, avec l’acrylique, l’encre de Chine, l’encre, le fusain et l’huile sur panneau. Pourtant, la cohérence ne vient pas d’un effet de style répété. Elle tient plutôt à une manière de ménager l’instabilité. Chez Martine BONNAMY, la couleur ne remplit jamais simplement une zone, le trait ne clôt pas durablement une figure, et la matière conserve ce que le geste a dû traverser pour atteindre sa forme présente. C’est là que son œuvre prend place dans l’art contemporain : moins par le vocabulaire abstrait que par l’usage concret de la surface comme lieu de transformation.

L’Escale et Rivage 3 : le seuil construit par la couleur

Dans L’Escale, huile sur toile de 92 x 79 cm, l’orange occupe une large part du champ pictural. Il porte les traînées de la brosse, des reprises visibles et des épaisseurs brillantes. En bas, des blocs verts, noirs, bleus, rouges ou jaunes forment une assise discontinue. Ils peuvent évoquer des maisons, des quais ou des bagages, mais aucune désignation ne s’impose. La composition demeure disponible. Ce qui compte est la manière dont ces masses interrompent l’étendue orange et donnent au passage une base matérielle.

Le disque jaune et sa colonne tremblée organisent une direction verticale, tandis que les blocs inférieurs retiennent le mouvement dans l’horizontale. L’Escale naît de cette contradiction. La toile fixe un lieu, mais les formes semblent provisoirement posées. La chaleur de l’orange unit l’ensemble sans effacer les séparations entre les couleurs. L’œuvre ne représente donc pas seulement une halte : ses rapports de poids produisent l’état d’attente associé à ce mot. Tout tient, rien ne paraît installé pour longtemps.

Rivage 3, huile sur toile de 60 x 60 cm, reprend la question du bord en supprimant cette architecture colorée. Le carré comprime l’étendue. Les bleus froids rencontrent des gris laiteux; les violets s’enfoncent dans les zones plus denses. La toile reste parfois apparente sous une matière lissée ou griffée. À droite, quelques lignes sombres montent avec une fragilité qui interdit de les lire comme une frontière stable. Elles pourraient être des roseaux ou les indices d’un passage, mais leur faible nombre empêche le motif de prendre autorité.

Entre les deux œuvres, le rivage change de fonction. Dans L’Escale, le bas du tableau accumule des unités compactes et la lumière descend vers elles. Dans Rivage 3, les valeurs circulent sous la surface, par transparences et éclats nacrés, alors que la zone inférieure s’épaissit en remous minéraux. La première toile installe un arrêt parmi des formes distinctes; la seconde rend toute séparation incertaine. Le seuil n’est plus placé dans la composition, il gagne la matière elle-même.

Céleste 1, huile sur toile de 60 x 80 cm, déplace encore ce principe. Des nappes bleu pâle, des verts dilués et des gris laiteux entourent une concentration bleue et noire, traversée de jaune, de rose et de blanc pulvérisé. Le centre n’a pourtant rien d’un point immobile. Les stries, les grains et les marques rapides dispersent son énergie vers les bords. Des signes peuvent rappeler des oiseaux ou des présences qui s’éloignent, sans se stabiliser en figures. La profondeur vient alors de l’écart entre une zone centrale très dense et des passages plus diffus.

Je préfère ici la retenue de Rivage 3 à la densité presque météorique de Céleste 1, parce que la trame laissée visible et les quelques lignes de droite maintiennent plus longtemps l’incertitude. Cette préférence éclaire surtout le risque accepté par l’artiste : chaque tableau peut pousser le même problème vers la concentration ou vers la dilution. La série ne cherche pas l’unité décorative. Elle procède par variations de pression.

De l’huile aux techniques mixtes : quand la surface oppose une résistance

Vingt ans séparent L’Escale, datée de 1999, et Envol, huile sur toile de 2019. Pourtant, un même principe relie leurs surfaces : la trace du geste ne vient pas illustrer un mouvement déjà conçu, elle le fabrique. Dans Envol, le format de 38 x 46 cm concentre des brumes roses et des gris cendrés, puis des ors dispersés. Des formes noires traversent la toile en diagonale. La composition tient moins à leur éventuelle ressemblance avec des oiseaux qu’à leur capacité d’entraîner les autres marques.

Les griffures, les projections jaunes et les stries blanches empêchent les nappes colorées de s’endormir. Des empâtements accrochent certaines zones; ailleurs, la peinture demeure plus retenue. Le mouvement se forme entre ces régimes de surface. La diagonale noire pourrait annoncer une ascension, mais les effets minéraux et les zones cendrées conservent une pesanteur. Le titre ne ferme donc pas la lecture. Il désigne une poussée qui n’a pas encore rompu avec ce qu’elle quitte.

Les deux formats de 20 x 20 cm, Braisière au bord du silence et Braises de mémoire, resserrent cette question jusqu’à transformer chaque incision en événement. Les techniques mixtes rendent possibles des oppositions que l’huile seule ne conduit pas de la même manière. Dans la première œuvre, les rouges oxydés côtoient des roses fumés; des terres noircies retiennent des éclats orangés. La surface passe du mat poudré à des parties luisantes. Les noirs du bas absorbent l’espace, tandis que quelques griffures blanches ouvrent de faibles interruptions.

Le petit format n’adoucit rien. Il augmente la concentration. Là où L’Escale répartit ses blocs colorés sur 92 x 79 cm, Braisière au bord du silence oblige la chaleur, les zones noircies et les signes blancs à cohabiter sur une aire très réduite. La mémoire prend alors une consistance physique : elle apparaît dans les dépôts, les frottements et les effacements. Ces opérations restent lisibles parce que la matière ne masque pas complètement ce qu’elle a subi.

Braises de mémoire pousse plus loin l’incision. Les orangés profonds rencontrent des noirs bitumeux; les blancs griffés coupent leur affrontement. Des tiges et des lignes nerveuses traversent l’épaisseur brillante. Le relief conserve la pression de la main ainsi que les moments où la matière a résisté avant de céder. Ce point rapproche l’œuvre de Envol : dans les deux cas, le déplacement vient d’un geste qui heurte une densité. Mais le mouvement change d’orientation. Envol traverse le champ en diagonale, tandis que Braises de mémoire fait remonter ses lignes depuis une profondeur compacte.

Cette différence d’échelle modifie ce que l’on éprouve. Le 38 x 46 cm d’Envol laisse les traces se poursuivre dans une étendue de brumes et de zones claires. Les carrés de 20 cm les coincent contre les limites du support. Chaque raclage y paraît plus proche d’une coupure, chaque partie brillante plus chargée. Martine BONNAMY renonce ici à l’amplitude du paysage pour obtenir une intensité de contact. Le tableau devient presque un fragment prélevé, sans qu’un territoire précis soit décrit.

J’habite ma métamorphose : le contour laisse la forme devenir

Avec J’habite ma métamorphose, pastel sur papier de 50 x 65 cm, le changement ne passe plus d’abord par les strates. Un vert acide remonte sous des courbes bleu nuit, et le violet électrique agit aux lisières. Les contours existent, mais ils ne se comportent pas comme des clôtures. Leur courbure rassemble l’énergie chromatique sans déterminer une figure définitive. La forme paraît suffisamment construite pour tenir, suffisamment ouverte pour continuer de devenir.

Le pastel sur papier modifie la relation entre couleur et architecture. Dans les huiles, la matière peut s’épaissir, être griffée ou laisser transparaître la trame. Ici, les rapports entre le vert, le bleu nuit et le violet portent directement la tension. La parenté mentionnée avec Georgia O’Keeffe se comprend à cet endroit précis : par la souveraineté accordée aux formes organiques et par le refus de réduire leur courbe à une description. Le rapprochement ne vaut pas comme filiation générale, mais comme manière de reconnaître qu’un contour peut protéger une puissance sans la nommer.

Bout du monde, pastel et fusain sur papier de 50 x 65 cm, répond à cette ouverture par une construction plus heurtée. Le bleu électrique grimpe dans des architectures vacillantes, une masse rouge coupe la nuit, et le vert incandescent se maintient près du vide. L’association du pastel et du fusain accentue l’écart entre les couleurs et l’obscurité. La référence à Odilon Redon trouve ici sa précision formelle : le noir n’agit pas comme un fond passif, il donne aux surgissements colorés leur puissance d’apparition.

Les deux œuvres sur papier partagent le même format, mais elles organisent le changement selon des logiques opposées. J’habite ma métamorphose rassemble ses tensions dans des courbes qui contiennent encore la poussée. Bout du monde disperse cette poussée entre des architectures instables et des masses chromatiques séparées. La première fait de l’inachevé un mode de construction. La seconde place la couleur après l’effondrement des certitudes visuelles, lorsqu’un bord apparent peut encore servir de passage.

Voilà ce qui relie cette suite d’œuvres : les bords y travaillent. Bord d’une rive dans Rivage 3, lisière violette dans J’habite ma métamorphose, limite noircie dans les deux petits carrés de techniques mixtes. Chaque fois, deux faits matériels au moins soutiennent l’idée de transformation : une couleur bute contre une autre, une trace entame l’épaisseur, un format contraint la direction du geste. Rien n’est laissé à une symbolique vague. Le sens reste attaché à ce que la peinture et le papier font subir aux formes.

Trois catalogues numériques au format PDF, chacun consacré à une collection de Martine BONNAMY, prolongent l’examen de ces correspondances entre formats, supports et matières. Ils permettent notamment de mesurer combien une image isolée change lorsqu’elle retrouve les problèmes plastiques repris d’une œuvre à l’autre.

Reste Braises de mémoire : sur ses 20 x 20 cm, les noirs bitumeux bordent les orangés, tandis que les blancs griffés interrompent l’épaisseur brillante. Ses incisions accrochent la lumière avec une précision que la présence matérielle de l’œuvre seule permet pleinement d’éprouver.