Emilienne MOREAU-DECHELLE : quatrième regard — L'Adresse des Maîtres®

Emilienne MOREAU-DECHELLE : « Je garde le feu vivant » et « Je garde ce qui demeure »

La masse noire de L’inachevé me suffit retient celui qui s’approche et l’oblige à chercher, entre terres rouges et bleus sourds, la cohérence que la surface refuse de livrer d’un bloc. Chez Emilienne MOREAU-DECHELLE, la couleur ne recouvre pas une forme déjà décidée : elle la rassemble, la fracture ou lui donne assez de poids pour tenir. Les œuvres présentées à L’Adresse des Maîtres®, galerie d’art à Dreux, montrent combien cette pratique de l’huile sur toile repose sur des oppositions fermes. Noir contre craie, bleu contre ocre, rouge contre blanc. Aucun contraste n’est décoratif. Chacun engage une manière de vivre parmi les traces, de faire tenir une figure au milieu de ce qui menace sa stabilité.

Cette peinture occupe dans l’art contemporain un territoire où l’abstraction reste chargée de corps. Une courbe peut devenir gardienne, une verticale prendre la gravité d’un seuil, une masse claire se dresser comme une personne qui aurait cessé de s’excuser d’exister. La question n’est donc pas de reconnaître un motif. Elle consiste à comprendre comment une couleur, placée contre une autre, devient une conduite.

Le noir retient

Dans L’inachevé me suffit, huile sur toile de 65 x 54 cm, la masse noire ne forme pas un fond. Elle agit comme un centre de gravité autour duquel s’agrègent les rouges terreux, les blancs crayeux et les bleus assourdis. Le format, plus haut que large, resserre cette poussée fragmentaire. Rien ne peut s’échapper latéralement. Les éléments semblent provenir de constructions ou d’époques différentes, pourtant le noir les maintient dans une proximité presque physique.

La parenté avec la mosaïque byzantine tient moins à l’éclat qu’au principe d’assemblage. Un fragment ne vaut pas comme morceau incomplet d’une totalité perdue ; sa coupe, sa couleur et sa place suffisent à produire une continuité. Emilienne MOREAU-DECHELLE choisit ici de ne pas lisser les écarts. Le bleu sourd ne se fond pas dans le rouge, le blanc conserve sa sécheresse visuelle contre la masse obscure. De cette juxtaposition naît une identité qui ne cherche plus à se clore. Elle s’accumule.

L’huile permet précisément de maintenir ces valeurs dans une même densité picturale. Son rôle n’est pas d’unifier artificiellement les fragments, mais de leur donner une commune autorité de surface. On éprouve alors une paix grave, obtenue sans résolution complète. Je trouve cette toile particulièrement juste lorsqu’elle refuse de transformer l’inachèvement en effet de désordre : le noir immobilise assez la composition pour que la rupture devienne structure.

Ici, la matière se souvient, 65 x 81 cm, déplace le problème. Les coulées verticales de bleu minéral, de chair pâle et de noir ne se groupent plus autour d’un noyau ; elles descendent comme des parois travaillées par une eau désormais absente. La mémoire n’est plus contenue dans des fragments rapprochés. Elle devient direction. Ce passage du bloc à la coulée change tout : la couleur conserve moins un objet qu’une action passée.

Bleus contre terres

Le bleu chez Emilienne MOREAU-DECHELLE n’ouvre pas un lointain. Dans Ici, la matière se souvient, ses bandes verticales rencontrent le noir et la chair pâle avec une frontalité qui ferme la surface au lieu de la creuser. Ce bleu minéral a le poids d’une paroi. Les fractures qui le traversent ou le séparent deviennent des chambres intérieures, car les valeurs sombres et claires empêchent toute lecture continue.

Le rapprochement avec l’art pariétal de Chauvet se précise à cet endroit : non par imitation de figures, mais par la gravité accordée au signe posé contre une étendue obscure. Une marque colorée vaut parce qu’elle résiste à l’effacement. Le noir, le bleu et la tonalité charnelle donnent au tableau l’allure d’un dépôt où l’expérience survit sous forme de strates verticales. La blessure cesse alors d’être une béance ; elle fournit une assise.

Debout parmi les failles, également au format 65 x 81 cm, reprend la verticalité en la dramatisant. Les bleus se dressent comme des seuils, une veine blanche fend les rouges profonds. La similitude des dimensions rend la comparaison décisive : dans la première toile, la couleur descend et conserve ; dans la seconde, elle se relève et protège. Même rapport frontal, autre énergie.

Le blanc central de Debout parmi les failles n’efface ni les rouges ni les bleus. Sa clarté dépend de leur pression. Si les masses environnantes perdaient leur densité, cette forme claire deviendrait un simple accent ; serrée entre elles, elle acquiert la vulnérabilité d’une présence exposée. La peinture refuse donc l’harmonie obtenue par atténuation. Elle préfère maintenir l’écart entre les valeurs, quitte à rendre la surface inconfortable.

Cette verticalité sans emphase donne un contenu précis au courage. Les bleus dressés et la veine blanche n’illustrent pas une victoire, ils matérialisent la décision de rester sensible dans un espace fracturé. La différence compte. Une figure héroïque dominerait les rouges profonds ; ici, la forme claire tient parmi eux. Elle ne surplombe rien.

Le blanc se lève

L’indompté devient demeure, huile sur toile de 35 x 78 cm, étire horizontalement une masse blanche placée entre l’ocre solaire et le bleu profond. Des nerfs noirs la traversent. Ce format bas et allongé interdit à la forme claire de devenir un monument vertical ; elle doit occuper la longueur, négocier avec les couleurs qui la bordent et préserver son irrégularité. Le blanc rassemble sans pacifier.

Le choix est risqué, car une masse blanche peut vite produire un vide ou une coupure. Emilienne MOREAU-DECHELLE lui donne au contraire une charge corporelle par les lignes noires qui la parcourent et par la pression contradictoire de l’ocre et du bleu. La forme demeure indocile parce que ses contours ne fixent pas une identité définitive. Elle paraît pouvoir changer de peau sans perdre sa cohésion.

Dans Debout parmi les failles, le blanc fendait les rouges ; dans L’indompté devient demeure, il absorbe les contradictions. Ce renversement marque l’une des décisions les plus fortes de l’artiste : une même valeur claire peut séparer ou contenir selon son étendue, son orientation et les couleurs qui l’encadrent. La vulnérabilité ne reçoit donc jamais un signe convenu. Elle dépend d’un rapport plastique concret.

Petit Dragon, carré de 100 x 100 cm, pousse plus loin cette lutte entre pâleur et puissance. Un grand arc noir et or fend la zone claire, tandis que des piliers montent d’un sol encore enseveli. À la différence de la masse blanche de L’indompté devient demeure, qui cherche une façon d’être habitable, la pâleur de Petit Dragon réserve une place à l’apparition. Le vide y possède une densité propre.

Le carré retient l’arc et lui interdit de devenir une simple trajectoire. Sa courbe rencontre la stabilité des piliers ; l’or, pris dans le noir, ne sert pas d’ornement, mais charge la ligne d’une autorité rituelle. Cette énergie reste jeune parce qu’elle n’a pas encore choisi son usage. Elle veille. Le tableau fait sentir qu’une puissance peut précéder sa propre définition, sans basculer dans le désordre.

Formats du commun

Normandie, 73 x 60 cm, revient aux terres rousses, au bleu froid et au ciel de cendre. Les corps massifs des bêtes portent la densité du sol, tandis qu’une gardienne se confond presque avec le troupeau. La couleur réduit volontairement la séparation entre l’humain et l’animal : mêmes pesanteurs, mêmes valeurs rabattues, même soumission à un ciel qui descend bas.

Le cadrage vertical compacte cette communauté. Le bleu froid qui affleure entre les corps ne crée pas une échappée ; il mesure leur proximité. Les roux imposent la chaleur terrestre, le gris du ciel en retient l’expansion. De ce serrage chromatique vient la paix grave propre à l’œuvre. Appartenir signifie ici partager une matière et veiller sur ce qui nourrit.

La foule devient refuge, 65 x 100 cm, élargit cette logique. Des silhouettes bleues, ocres et noires se serrent sous une terre rouge, dominées par un ciel de cendre. Le passage au format horizontal transforme l’appartenance en progression collective. Dans Normandie, les masses animales s’ancrent ; ici, les profils avancent et portent le pas voisin.

Le rouge placé au-dessus d’eux mérite qu’on s’y arrête. Il ne fonctionne pas comme un horizon accueillant. Sa pesanteur rapproche les silhouettes, tandis que le ciel gris contient leur marche. Le bleu, l’ocre et le noir conservent pourtant assez de distinction pour que la foule ne devienne pas une masse anonyme. Chacun demeure lisible dans l’enceinte colorée du groupe.

La toile renonce à deux facilités : isoler une figure exemplaire ou dissoudre les êtres dans un ensemble décoratif. Le format de 100 cm de large donne à la chaîne humaine une durée, presque une syntaxe. Les couleurs passent d’un profil à l’autre sans abolir les écarts. La dignité naît de cette organisation serrée, où aucun destin ne prétend tenir seul.

Serpentine, courbe active

Avec Serpentine, huile sur toile de 70 x 70 cm, la verticale et la foule cèdent devant une ligne sombre qui ondule, se replie puis repart. Les ocres, les mauves et les blancs calcaires maintiennent autour d’elle la chaleur d’une paroi ancienne. Le carré ne stabilise pas la courbe ; il lui oppose quatre limites égales, qu’elle parcourt sans jamais adopter leur géométrie.

Cette contradiction entre cadre régulier et ligne mobile condense le travail chromatique d’Emilienne MOREAU-DECHELLE. La ligne noire possède la fermeté rencontrée dans L’inachevé me suffit, mais elle a perdu son immobilité. Les blancs rappellent L’indompté devient demeure, sans former cette fois une masse centrale. L’ocre ne construit plus un sol comme dans Normandie ; il devient le milieu chaud où la courbe cherche sa forme suivante.

Le mouvement protège parce qu’il demeure contenu. Aucune couleur ne promet une identité fixe : le mauve déplace l’accord entre l’ocre et le blanc, le sombre revient sur lui-même avant de repartir. La mue prend alors une forme exacte, celle d’un contour qui change sans rompre son fil. Longtemps après l’observation, cette courbe continue d’agir mentalement.

Le catalogue numérique au format PDF de l’artiste permet de parcourir les œuvres d’Emilienne MOREAU-DECHELLE et d’en suivre les variations de formats, de valeurs et de tensions colorées.

Reste Serpentine elle-même, ses 70 cm de côté, sa ligne sombre repliée entre les ocres, les mauves et les blancs calcaires : une courbe dont la présence matérielle donne envie de vérifier, devant la toile, jusqu’où elle conduit.