Isabelle VERSTRAETEN : second regard

Pourquoi cet œil d’ambre tient-il encore lorsque le visage paraît se disperser sous les éclats turquoise de Fragmenta ? La question surgit devant plusieurs œuvres d’Isabelle VERSTRAETEN présentées à la galerie d’art L’Adresse des Maîtres® à Dreux : que peut une couleur lorsqu’elle ne sert plus à remplir une forme, mais à empêcher celle-ci de disparaître ? Chez l’artiste, le rose fend le noir, le vermillon remonte à travers le vert, l’orange traverse des bleus grisés. Ces oppositions chromatiques ne relèvent pas d’une recherche d’accord décoratif. Elles organisent des figures menacées de fragmentation, maintiennent une intensité sous les papiers collés et donnent aux matériaux récupérés une fonction plastique précise.

Trois problèmes traversent ces toiles : la couleur peut-elle remplacer un contour devenu instable ? Comment le collage modifie-t-il la température d’un rouge ou la profondeur d’un bleu ? Que reste-t-il de cette lutte lorsque l’acrylique demeure seule ? Les réponses varient selon le format et la technique. C’est ce qui donne à ce travail sa cohérence sans l’enfermer dans une formule.

Fragmenta et Brut : la couleur à la place du contour

Dans Fragmenta, acrylique, papier collé, stylo-bille et encre occupent une toile de 30 x 40 cm. L’échelle resserrée concentre l’affrontement entre l’œil d’ambre, les éclats turquoise et les lignes qui soutiennent le visage. La figure ne repose donc pas sur une limite continue. Elle tient parce que plusieurs régimes de surface se relaient : l’acrylique établit les masses colorées, le papier introduit une rupture matérielle, le stylo-bille et l’encre réaffirment localement une direction. Le visage paraît moins construit autour d’un centre que retenu par ses discontinuités.

Cette manière de substituer l’accord des fragments à l’intégrité du contour transforme la vulnérabilité en question de composition. Les failles ne sont pas illustrées. Elles agissent. Le turquoise sépare certaines zones, l’ambre fixe l’œil et les traits empêchent l’ensemble de devenir une pure dispersion. Sur un format aussi contenu, chaque interruption prend du poids. L’identité représentée ne précède pas le montage, elle résulte du rapport entre couleur, papier et dessin.

Brut, acrylique, encre et stylo-bille sur toile, porte cette instabilité vers un format de 50 x 70 cm. Le visage vermillon affleure dans une profondeur verte, tandis qu’un œil demeure ouvert. L’absence de papier collé change la nature du conflit. Dans Fragmenta, la coupure est également matérielle ; dans Brut, elle passe davantage par l’écart chromatique et par le trait. Le vermillon s’avance avec une autorité immédiate, le vert absorbe et retient. Entre eux, le visage ne trouve pas de frontière définitive.

Le rapprochement avec Basquiat peut ici être précis : même priorité donnée à la trace avant sa correction, même refus d’assujettir l’énergie à un dessin stabilisé. Isabelle Verstraeten ne reprend pourtant pas un vocabulaire de signes. Elle utilise l’opposition du vermillon et du vert pour faire du visage un événement de surface, encore en train de se constituer. Je préfère la concentration de Fragmenta, où l’œil d’ambre et le turquoise imposent une économie plus sévère. Brut gagne en expansion ce qu’il abandonne de cette densité presque miniature.

Le rose contre le noir dans Soleil Levant

Avec Soleil Levant, acrylique, encre et collage de papier affiche sur toile, 60 x 75 cm, la figure cède devant un affrontement de valeurs. Une zone rose et ardente tranche la profondeur noire ; des éclats rouges semblent conserver une chaleur sous la surface. Le titre pourrait laisser attendre une scène d’aube. La composition déplace cette attente : le commencement n’est pas décrit par un horizon ou par un motif céleste, mais produit par la pression du rose contre le noir.

Le papier affiche intervient ici autrement que les fragments de Fragmenta. Associé à l’acrylique et à l’encre, il introduit dans la toile un matériau qui possède déjà une existence graphique. La couleur peinte ne règne donc pas seule. Elle rencontre une surface rapportée, avec laquelle elle doit composer. Le rose gagne alors une densité particulière : il ne flotte pas dans une étendue abstraite, il traverse un ensemble dont certaines parties ont été ajoutées, recouvertes ou maintenues distinctes.

La parenté avec Rothko se limite à un point formel décisif : la couleur y devient une expérience de proportion et de profondeur plutôt qu’un attribut des choses. Mais Soleil Levant refuse l’autonomie complète du champ coloré. Les éclats rouges et le collage d’affiche perturbent la continuité, ramenant la surface vers une mémoire matérielle. Le noir ne fonctionne pas comme un simple fond. Parce qu’il est fendu par le rose et retenu par le rouge, il mesure la résistance du commencement annoncé par le titre.

Renaissance, acrylique, stylo-bille et collage sur toile, 70 x 50 cm, inverse plusieurs paramètres. Son format est vertical là où Soleil Levant s’étend en largeur. Une poussée orange traverse des nappes bleu grisé, avec des fragments sombres comparables à des souvenirs encore actifs. Le contraste n’oppose plus l’incandescence à une profondeur noire compacte. Il met en mouvement deux températures : l’orange avance, le bleu grisé ralentit cette progression. Les zones sombres empêchent la reprise de devenir euphorique.

Entre les deux tableaux, la couleur construit donc deux temporalités. Dans Soleil Levant, le rose fend une profondeur déjà constituée ; dans Renaissance, l’orange traverse des nappes et transforme leur équilibre. Le premier tableau concentre l’énergie dans une ouverture. Le second la distribue comme une poussée. Une même idée de recommencement prend deux formes plastiques distinctes, l’une tranchante, l’autre progressive.

Papier affiche, fibre textile et métal : lorsque le contraste devient matériel

Chez Isabelle VERSTRAETEN, une opposition colorée ne reste pas longtemps séparée de la nature physique des surfaces. Maternite, aquarelle, acrylique, stylo-bille et collage d’éléments recyclés sur toile, 50 x 70 cm, associe une zone rose aux noirs charbonneux, tandis que des fibres brunes occupent les bords comme une peau ancienne. Le rose ne peut être perçu comme une couleur intacte : les noirs en modifient la valeur et les fibres lui donnent une limite irrégulière. La protection évoquée par l’œuvre naît de cette bordure matérielle, non d’un symbole ajouté au tableau.

L’aquarelle rend également le dispositif plus complexe. Sa présence auprès de l’acrylique place deux comportements de couleur sur une même toile, l’un lié à l’eau, l’autre à une matière picturale différente. Le stylo-bille fournit une précision graphique que les éléments recyclés interrompent. À partir du rose, du noir et du brun, Maternite construit une relation où prendre soin signifie maintenir une forme fragile sans la fermer. La douceur possède ici une masse et des bords.

La dame verte, peinture acrylique, collages, fibre textile et fil sur toile, 70 x 56 cm, pousse plus loin la contamination entre couleur et matériau. Le visage bleu nuit apparaît sous des rosaces rouges ; les lignes vertes prolifèrent comme une végétation mémorielle. Le fil et la fibre ne se contentent pas d’enrichir la surface. Ils prolongent le principe linéaire déjà porté par le vert. Le dessin semble pouvoir quitter sa fonction de contour pour devenir croissance.

Le bleu nuit du visage produit alors une densité que les rouges viennent ponctuer, tandis que le vert lie les fragments sans les homogénéiser. Le tableau renonce à choisir entre portrait et organisation végétale. Cette indécision reste concrète : un visage sombre, des rosaces rouges et des lignes vertes se disputent l’autorité de la composition. La figure affirme sa présence en acceptant d’être traversée par autre chose qu’elle-même.

Dans Le silence de Babel, le vocabulaire d’atelier s’élargit encore : acrylique, encre, crayons de papier, stylo-bille, feutre et éléments en métal sur toile, au format 50 x 75 cm. L’ajout du métal marque un seuil. Après le papier, la fibre et le fil, la surface accueille une matière dont la dureté contraste avec les instruments graphiques. Cette coexistence oblige la couleur à partager son pouvoir avec une présence qui n’appartient ni au dessin ni à la peinture. Dans cet art contemporain, le contraste concerne autant les propriétés physiques que les valeurs chromatiques.

Du corps bleu électrique de La force de vivre à l’acrylique seule

La force de vivre, acrylique et collage sur toile, 50 x 75 cm, replace le corps au centre de ces conflits. Une silhouette anatomique bordée de bleu électrique se dresse parmi des terres brûlées, des visages suspendus et des fragments organiques. Le cuivre, le carmin et l’or conservent la chaleur de ce qui a été traversé. Le bleu n’adoucit rien : il découpe le corps et le rend impossible à confondre avec son environnement.

Ce bord bleu agit comme une décision graphique. Là où Brut laisse le visage vermillon affleurer dans le vert, La force de vivre donne à la silhouette une limite chromatique franche. Pourtant, les fragments organiques et les visages suspendus empêchent ce contour de produire une autonomie tranquille. Le corps est séparé par le bleu, puis relié au reste par les terres brûlées, le cuivre et le carmin. La survie prend la forme d’une distinction maintenue au milieu de traces qui demeurent visibles.

In my blue sky, acrylique sur toile, 53 x 70 cm, occupe une place à part dans cet ensemble. Le retrait du collage, de l’encre, du stylo-bille, du textile ou du métal constitue un choix net. Après tant de surfaces partagées entre peinture et objets rapportés, l’acrylique seule doit assurer les rapports de couleur et l’organisation du format. Cette réduction technique évite que la méthode mixte devienne une signature automatique. Elle prouve surtout que la question essentielle reste chromatique, même lorsque le montage matériel disparaît.

Bisous a l’oeil, collage d’affiche, acrylique, encre et éléments récupérés sur toile, 60 x 80 cm, ramène enfin le fragment à sa charge affective. Un bleu électrique traverse des visages effacés, alors qu’un œil brillant demeure intact. À la différence du bord anatomique de La force de vivre, le bleu circule ici parmi des figures recouvertes. Il ne protège pas une silhouette entière ; il maintient la possibilité de voir après l’effacement.

Le catalogue numérique d’Isabelle VERSTRAETEN, disponible en PDF auprès de la galerie de Dreux, permet de prolonger ce parcours entre formats, techniques et oppositions de couleur. Mais la reproduction ne peut résoudre ce que la matière pose directement : dans Bisous a l’oeil, le bleu électrique, les visages effacés et l’œil brillant intact exigent la présence de la toile réelle.