Cyanotype on Canvas — Art Contemporain

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À celui qui s’en approche, le bleu profond et la silhouette assise de « Mme Rose dans la bibliothèque » rendent l’absence presque audible, tandis que les livres traversés de lumière maintiennent Mme Rose parmi ce qui demeure. L’émotion naît de cette disproportion calculée entre un corps aux contours incertains et la densité de ce qui l’entoure. À 58 x 54 cm, l’image retient son sujet dans un espace resserré. Elle ne livre pas un portrait descriptif. Elle condense une relation entre une personne, des livres et une couleur devenue dépositaire de mémoire.

Les trois cyanotypes sur toile présentés à L’Adresse des Maîtres® à Dreux posent une question rarement abordée avec assez de précision : que devient une image produite par exposition lumineuse lorsqu’elle quitte le format contenu pour gagner une surface de 130 x 151 cm ? Aurélie Pellotier apporte trois réponses très différentes. « Mme Rose dans la bibliothèque » rassemble. « Rhapsodie in Blue », 80 x 80 cm, suspend l’espace entre une vitre, des branches blanches et une silhouette. « L’heure bleue » agrandit le champ jusqu’à faire des éventails pâles et des braises cuivrées les acteurs d’une expérience physique. Le changement de dimensions modifie ici la nature même du bleu.

« Mme Rose dans la bibliothèque », 58 x 54 cm : le format resserre la mémoire

Les dimensions presque carrées de « Mme Rose dans la bibliothèque » créent une légère résistance. Le 58 x 54 cm ne s’étire franchement dans aucune direction. La silhouette assise et les livres doivent partager un champ compact, sans échappée ample. Ce resserrement donne aux ouvrages une fonction plastique particulière : traversés de lumière, ils ne servent pas de contexte narratif, ils occupent l’image au même titre que la figure. La culture prend alors une forme intime parce que le bleu enveloppe le corps et que les livres clairs interrompent cette continuité.

Les contours hésitants empêchent Mme Rose de devenir une effigie stable. Pourtant, rien ne s’efface complètement. La personne demeure par sa position assise, le bleu conserve la densité de sa présence, les livres maintiennent la trace de ce qu’elle a transmis. Aurélie Pellotier renonce donc à la reconnaissance précise du visage. Ce retrait déplace l’attention vers une mémoire moins documentaire : celle d’une température affective, préservée par la proximité des valeurs sombres et des émergences lumineuses. Le petit écart entre hauteur et largeur suffit à retenir cette mémoire plutôt qu’à la laisser circuler.

La parenté avec Anna Atkins tient ici à la puissance de l’empreinte, comprise comme relation directe entre lumière, réserve et apparition. Chez Pellotier, cette logique ne vise pas seulement la présence d’une forme sur une surface. Elle produit une temporalité. Les livres semblent surgir parce que leurs valeurs claires coupent le bleu, alors que la silhouette s’y maintient plus profondément. L’œuvre transforme donc l’exposition lumineuse en opération de conservation. Le format contenu renforce ce sentiment : l’image paraît garder quelque chose qu’une extension excessive aurait pu disperser.

Cyanotype on Canvas : exposer, réserver et rincer la toile

Le Cyanotype on Canvas repose sur une préparation photosensible à base de sels de fer, appliquée sur la toile. Cette préparation peut être étendue au pinceau ou au rouleau, puis elle sèche à l’abri des rayonnements qui déclencheraient prématurément la réaction. Une forme, un objet ou un support transparent portant une image est ensuite placé au contact ou à proximité de la surface préparée. L’exposition aux ultraviolets agit sur les zones découvertes. Le rinçage à l’eau élimine la préparation restée soluble et fait apparaître le bleu caractéristique, tandis que les parties protégées conservent des valeurs claires.

À l’œil nu, ce procédé se lit d’abord comme une répartition entre zones exposées et zones réservées. Dans « Rhapsodie in Blue », les branches blanches qui traversent le champ bleu rendent cette logique immédiatement perceptible. Leur clarté n’est pas un simple rehaut posé sur une couleur déjà achevée : elle résulte du rapport entre ce que la lumière atteint et ce qui lui résiste. La silhouette derrière la vitre appartient à un autre régime de visibilité. Moins affirmative que les branches, elle installe une profondeur mentale au sein d’une technique souvent associée à l’empreinte directe.

Le passage du papier à la toile change la portée du procédé. Une toile impose une étendue, une orientation et un rapport au mur que le format de feuille ne commande pas de la même manière. Elle transforme également l’image photosensible en surface picturale. Le bleu cesse d’être seulement le résultat d’une réaction : il devient une masse organisée par les bords, la proportion et l’écart entre les formes. Dans ces œuvres d’art contemporain, la technique ne vaut donc pas comme curiosité d’atelier. Elle engage une décision sur l’échelle de chaque apparition.

Cette décision comporte un renoncement. Le cyanotype limite fortement la couleur dominante et contraint l’artiste à construire par valeurs, réserves et intensités. « L’heure bleue » déplace toutefois cette règle grâce aux braises cuivrées qui affleurent sous les plis. Leur présence ne dissout pas l’autorité du bleu profond. Elle l’entame juste assez pour produire une chaleur enfouie. À côté, les éventails pâles ouvrent la surface. Le procédé porte alors deux mouvements contraires : la concentration nocturne du bleu et l’expansion claire de formes qui semblent gagner les bords.

De 80 x 80 à 130 x 151 cm : le bleu change de régime

Le carré de « Rhapsodie in Blue » stabilise une scène pourtant traversée. Sur 80 x 80 cm, largeur et hauteur se neutralisent, tandis que les branches blanches coupent le bleu et qu’une silhouette demeure derrière la vitre. Cette contradiction donne sa tension à l’œuvre. Le format ferme l’image sur elle-même, mais les branches introduisent une poussée qui refuse cette clôture. La vitre ajoute une limite intérieure au carré extérieur. Entre ces deux cadres, la figure occupe un seuil, ni absorbée par la forêt ni dégagée de sa présence.

Je trouve ce carré particulièrement tendu parce qu’il interdit à la composition de choisir entre expansion et retrait. Les branches veulent franchir le champ ; les côtés égaux les reconduisent vers le centre. La silhouette veille derrière une séparation visible ; le bleu rapproche pourtant l’intérieur et la forêt sous une même valeur dominante. De cette friction vient la paix inquiète propre à « Rhapsodie in Blue ». Elle ne procède pas d’un récit possible, mais de deux faits matériels : une structure blanche traverse la couleur, une figure reste placée derrière la vitre.

Avec « L’heure bleue », le 130 x 151 cm défait cet équilibre. La largeur excède la hauteur et donne davantage d’amplitude à l’ouverture des éventails pâles. Les braises cuivrées, maintenues sous les plis, ne fonctionnent plus comme un centre évident. Elles affleurent. L’échelle permet au bleu d’exister comme étendue avant que les accents clairs et cuivrés ne le divisent. La nuit évoquée par l’œuvre ne ferme donc pas le champ : les formes pâles l’écartent, et les valeurs chaudes empêchent son uniformité.

Le rapprochement avec Yves Klein porte précisément sur cette capacité du bleu à excéder l’objet représenté. Aurélie Pellotier lui attribue toutefois une profondeur plus intérieure en conservant des plis, des ouvertures pâles et des traces cuivrées. La couleur ne conduit pas vers un infini sans repère. Elle contient des différences de température et des zones de retrait. Le grand format rend ces écarts actifs : le bleu doit être parcouru avant que les braises n’apparaissent pleinement comme une présence enfouie.

Que demande « L’heure bleue » à l’échelle de 130 x 151 cm ?

Une surface de 130 x 151 cm réclame au mur une disponibilité que « Mme Rose dans la bibliothèque » n’exige pas de la même manière. La première œuvre concentre la silhouette et les livres dans un rapport presque confidentiel. « L’heure bleue » impose une étendue où l’œil ne peut saisir simultanément chaque éventail clair, chaque pli et chaque affleurement cuivré. Son format instaure une durée d’observation. Cette durée permet à l’incertitude de perdre son caractère menaçant : les formes restent partiellement indéterminées, mais leur ampleur leur donne une stabilité.

Le changement d’échelle modifie aussi la place accordée au silence. Dans « Mme Rose dans la bibliothèque », il se concentre autour d’une figure identifiable et d’objets culturels. Dans « L’heure bleue », il n’appartient plus à une personne. Il résulte de la distance entre le bleu profond, les ouvertures pâles et les braises retenues sous les plis. La surface ne raconte pas une disparition précise. Elle organise un retrait. Le spectateur peut ne pas tout nommer parce que le format lui permet de suivre des rapports de valeur avant d’y chercher des figures.

Cette retenue distingue le travail d’Aurélie Pellotier parmi les usages décoratifs auxquels un bleu intense pourrait facilement se prêter. La couleur n’est jamais livrée seule. Dans le 58 x 54 cm, elle serre une silhouette parmi les livres. Dans le carré de 80 cm, elle absorbe l’écart entre branches, vitre et figure. À 130 x 151 cm, elle devient assez vaste pour que des formes pâles s’y ouvrent et que le cuivre y reste partiellement enfoui. Chaque format oblige donc la même technique à produire une expérience différente.

La galerie d’art de Dreux réunit ici trois étapes d’une pensée de l’échelle : retenir une présence, construire un seuil, donner au bleu une étendue que les formes peuvent interrompre sans l’épuiser. C’est devant les 130 x 151 cm de « L’heure bleue » que les éventails pâles et les braises cuivrées retrouvent leur écart réel, celui qu’aucune réduction ne peut conserver.

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